Sitges día 4: The Last days on Mars

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Una misión en Marte vive sus últimas horas mientras sus miembros esperan a que llegue el próximo relevo. Cuando apenas quedan 19 horas para que la estancia del equipo acabe, el científico Marko Petrovic(Goran Kostic) realiza un increíble descubrimiento. Sin esperar a que llegue la próxima salida programada a la superficie marciana y ocultando a todos su hallazgo. Marko sale del campo base, desobedeciendo los consejos de sus superiores y dirigiéndose al yacimiento donde ha encontrado, nada menos, que indicios de posible vida microscópica. Pero las cosas se tuercen y un accidente tiene lugar en la zona del yacimiento. Ahora, aquello que Marko ha ido a descubrir, se ha apoderado de su cuerpo. Las consecuencias serán catastróficas, y todos los miembros de la tripulación se verán envueltos en una lucha sin cuartel por la supervivencia, con el planeta rojo de telón de fondo.

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Esta es a grandes rasgos la trama de The Last days on Mars, dirigida por el realizador británico Ruairi Robinson, que después de estar nominado a los Oscars por su corto Fifty Percent Gray, se lanza a dirigir su primer largometraje contando en su película con caras de sobra conocidas para el público como Liev Schreiber  y Elias Koteas.

¿Y que nos encontramos en su debut? Un thriller de ciencia ficción, que maneja con corrección el suspense y con clara influencia de clásicos como La Cosa o La Noche de los Muertos vivientes. b4455543a5_600x450_e4748a8fabLos personajes se mueven bien, bajo un guion que no busca grandes piruetas y que a lo largo de la película se muestra sólido. Un guion basado por cierto, en el relato de Sidney J.Bounds, “Los animadores”. Destacar en el reparto coral, las actuaciones de un sobrio Liev Schrieber en el papel del jefe de máquinas Vicent Campbell, la bióloga de muy malas pulgas Kim Aldrich  (Olivia Williams) y un eterno secundario como Elias Koteas en el papel del diplomático capitán Charles Brunel.

The Last days on Mars parece también estar influenciado por videojuegos como Dead Space, ya que el corazón del film busca ser un ejercicio de supervivencia en un entorno hostil, y por momentos me ha recordado la experiencia que buscan transmitir los Survival Horror. Aunque esta es una apreciación muy personal, y una sensación que me ha dado al visionar la película.

La cinta de Ruairi Robinson se mueve bien entre géneros y consigue mantenerte atento. Se agradece la sencillez de su propuesta sin buscar grandes respuestas a los acontecimientos, dejando explicado lo que se tiene que explicar, y dejado al espectador lo que se tiene que dejar, un buen ejemplo de la teoría del iceberg de Hemingway. Es por lo tanto, un film equilibrado entre la creación de sus expectativas y la resolución de las mismas, sin, en mi opinión, decepcionar, excepto por un detalle que luego comentaré. En el apartado técnico, muy buena fotografía de esos áridos y rocosos paisajes marcianos que hemos visto ya unas cuantas veces en otras películas, y que aquí en vez de buscar la opresión, respiran una poco más y no ahogan tanto. El realizador busca espacios abiertos donde el espectador se sienta seguro. Parajes de aparente calma pero de los que en realidad, no hay salida. Un planeta cambiante donde las continuas inclemencias meteorológicas aparecen en el momento menos esperado.  last-days-on-mars

La superficie marciana no se muestra tan hostil como la atmósfera asfixiante que busca el realizador británico en lugares como el campo base o dentro de los propios vehículos espaciales. Lugares en apariencia seguros, pero que acaban siendo la verdadera prisión de los protagonistas. Los efectos visuales son más bien escasos pero bien elegidos. Se agradece que queden en un discreto segundo plano sin sobrecargar la cinta y buscando en el suspense y en otros factores, como la relación entre los personajes y las diferentes tensiones que van surgiendo entre ellos, el peso de la misma. En ocasiones la falta de presupuesto se agradece y agudiza el ingenio, aunque esta falta de presupuesto repercuta un poco, en, por ejemplo, la recreación de esta especia de zombis con aspecto de momias que no asustan todo lo que deberían y que podrían haber tenido un mejor acabado. Pero el director tampoco se ceba demasiado en mostrarnos a los infectados, seguramente en parte para tapar carencias y en parte para no desviarse de la línea sobria que sigue la cinta. the-last-days-on-mars-movie-clip-they-all-walked-back-2013-liev-schreiber-movie-hdUn pero que quizás le pondría, es que en los momentos finales se nos da una pista sobre qué es lo que le sucede a los zombis y en mi opinión, no hace falta. Las motivaciones de los zombis ya se intuyen y con eso creo que es suficiente. Esa pista en los últimos cinco minutos solo hace que confundir y sobra más que ayuda. La cinta funciona bien tal como está encaminada y no es necesario ningún salvavidas para el espectador.

En pocas palabras, The Last Days on Mars, es un buen debut de su realizador, Ruairi Robinson. Un thriller de ciencia ficción sin grandes aspiraciones y que busca ser correcto en todas sus vertientes. Es esa quizás, su mayor virtud. Si a esto le sumamos unos actores que cumplen y una trama que te mantiene atento sin buscar grandes giros ni sorpresas, lo que tenemos, es en definitiva, una buena noticia para los amantes de la ciencia ficción. Una película con la que me lo pase bien, y que a pesar de las horas de la madrugada a la que la vi, no se me hizo larga en absoluto e incluso me quito un poco el sueño que llevaba encima.

¡Hasta pronto!

 

P.D= Aunque el título es Sitges día 4 y obviamente, Sitges ya ha acabado, yo sigo con deberes e iré colgando más críticas de lo que tuve oportunidad de ver en el festival.

 

Palmarés Festival de Sitges 2014

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Sitges ya ha emitido su veredicto. Nueve días de gran cine, donde la noche de Maine ha estado de cuerpo presente y donde hemos podido vivir un gran ambiente y disfrutado de muy buenas películas. Vamos, los ingredientes perfectos para un gran festival. Me alegro especialmente de los premios a Essie Davies y Koji Yakusho, ya que eran mis elecciones predilectas para mejor actor y actriz respectivamente y que han compartido el galardón con Nathan Philips por These Final hours y con Julianne More por Map To The Stars. También alegría por el premio especial del jurado que se ha llevado Babadook, que, como avisamos, olía a premio.

I Origins, la cual me quede con ganas de ver, se ha alzado con el premio a mejor película y Cub con el de mejor dirección. En definitiva, una gran edición la de este festival de Sitges y ya esperando con ganas a la siguiente. Una pena que la surcoreana A Hard Day, de la que dentro de poco colgaré la reseña, no se haya llevado nada. Una película que me agradó mucho, pero es lógico que entre tanta calidad y competencia, no llueva a gusto de todos.

 

A continuación el palmarés completo de esta edición.

 

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MEJOR PELÍCULA: I ORIGINS, de Mike Cahill.

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: THE BABADOOK, de Jennifer Kent.

MEJOR DIRECCIÓN: CUB, de Jonas Govaerts.

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Cub

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

MEJOR ACTOR

Nathan Phillips por THESE FINAL HOURS

Koji Yakusho por THE WORLD OF KANAKO

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Koji Yakusho

 

MEJOR ACTRIZ

Essie Davis por THE BABADOOK

Julianne Moore por MAPS TO THE STARS.

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Essie Davis

 

 MEJOR GUIÓN: YOUNG ONES, de Jake Paltrow.

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MEJOR FOTOGRAFIA: JAMIE MARKS IS DEAD, de Carter Smith.

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MEJORES EFECTOS ESPECIALES: THE SIGNAL, de William Eubank.

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MEJOR CORTOMETRAJE: OSCAR DESAFINADO, de Mikel Alvariño.

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MENCIÓN ESPECIAL: 

POS ESO, de Sam.

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WHAT WE DO IN THE SHADOWS, de Taika Waititi y Jemaine Clement.

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A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT, d’Ana Lily Amirpour.

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SPRING, de Justin Benson y Aaron Moorhead.

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GRAN PREMIO DEL PÚBLICO (Sección Oficial Fantàstica en Competición)

MEJOR PELÍCULA: WHAT WE DO IN THE SHADOWS, de Taika Waititi i Jemaine Clement.

 

 PREMIOS SECCIÓN OFICIAL FANTÁSTICO ÓRBITA

MEJOR PELÍCULA: HYENA, de Gerard Johnson.

MEJOR DIRECTOR: COLD IN JULY, de Jim Mickle.

MENCIÓN ESPECIAL: ’71, d’ Yann Demange.

 

PREMIOS SECCIÓN OFICIAL FANTASTICO PANORAMA

 

MEJOR LARGOMETRAJE: THE TREATMENT, d’ Hans Herbots.

MENCIÓN ESPECIAL: CREEP, de Patrick Brice.

  

 

PREMIOS MELIES D’ARGENT

MEJOR LARGOMETRAJE: GOODNIGHT MOMMY, de Veronika Franz i Severin Fiala.

MEJOR CORTOMETRAJE: AUTUMM HARVEST, de Fredrik S. Hana.

 

PREMIOS DE LA CRÍTICA

PREMIO JOSE LUIS GUARNER A LA MEJOR: RÉALITE, de Quentin Dupieux.

MENCIÓN ESPECIAL DE LA CRÍTICA: GOODNIGHT MOMMY, de Veronika Franz i Severin Fiala.

 

 

PREMIOS CITIZIEN KANE

MEJOR DIRECTOR NOVEL: A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT, d’Ana Lily Amirpour.

MENCIÓN ESPECIAL: WHEN ANIMALS DREAM, de Jonas Alexander.

 

 

PREMIOS NUEVAS VISIONES

MEJOR PELÍCULA DE FICCIÓN: HAN GONG-JU, de Lee Su-jin.

MEJOR PELÍCULA DE NO FICCIÓN: NON-FICTION DIARY, de Jung Yoon-suk.

MENCIÓN ESPECIAL: THE DUKE OF BURGUNDY, de Peter Strickland.

 

 

PREMIOS FOCUS ASIA

MEJOR PELÍCULA: MAD SAD BAD, d’Han Ji-seung, Kim Tae-yong i Ryoo Seung-wan.

MENCIÓN ESPECIAL: HWAYI: A MONSTER BOY, de Jang Joon-hwan.

 

 

PREMIOS ANIMA’T

MEJOR LARGOMETRAJE DE ANIMACIÓN: THE SATELLITE GIRL AND MILK COW, de Chang Hyung-yun.

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN: PINEAPPLE CALAMARI, de Kasia Nalewajka.

MENCIÓN ESPECIAL: DINNER FOR FEW, de Nassos Vakalis.

 

 

PREMIOS BRIGADON PAUL NASCHY

MEJOR CORTOMETRAJE FANTÁSTICO: LINE UP, d’Àlex Julià.

 

 

PREMIOS JURADO CARNET JOVEN

MEJOR PELÍCULA: A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT, d’Ana Lily Amirpour.

CUB, de Jonas Govaerts.

MEJOR PELÍCULA DE LA SECCIÓN MIDNIGHT X-TREME: THE HOUSES OCTOBER BUILT, de Bobby Roe.

PREMIO EMERGENTES: AMOR ETERNO, de Marçal Forés.

PREMIO EXPERIMENTA: THE TRIBE, de Myroslav Slaboshpytskiy.

 

 PREMIOS PHONETASTIC SITGES MOBILE FILM

MEJOR CORTOMETRAJE: SECTOR ZERO 4, d’Alfonso García López.

PREMIO DEL PÚBLICO: INTRUSOS, d’Iván Mourin.

 

 

PREMIO BLOOD WINDOW

THE STRANGER, de Guillermo Amoedo.

 

PREMIOS SGAE NOVA AUTORIA

MEJOR REALIZACIÓN: Víctor Alonso Berbal, per PUÑO Y METAL, de la Universitat Pompeu Fabra.

MEJOR GUIÓN: Joaquim Barceló per DINOSAURIOS, de Joaquim Barceló i Amanda Gómez, de la Universitat Ramon-Llull-Blanquerna Comunicació.

MEJOR MÚSICA ORIGINAL: Alain Gómez Reglá i Luis Daniel González per PILATO, PILATO, de Roberto Russo, de l’Escola de Cinema Bande à part.

 

PREMIOS SITGES CINE365 FILM

Gerardo Herrero i Carles Torrens.

Sitges dia 4: The World of Kanako

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Una de las películas a la que más ganas le tenía. Un director que esta entre mi Top particular, y al cual tras ver las fenomenales Confessions y The Memories of Matsuko, le profeso un gran respeto y del que esperó con ansía cinéfila, cada nueva película suya. Más allá de todo ese cúmulo de razones poco objetivas, como con cualquier otra reseña,  si hay que sacar el hacha se saca. Aclarado este punto. Pasemos a valorar la última obra de Tetsuya Nakashima. The World of Kanako.

La trama gira en torno a la hija de un matrimonio hace tiempo roto. Su hija, Kanako (Nano Komatsu) lleva desparecida unos días, y la madre preocupada por su paradero, recurre a la última persona a la que querría ver, su ex marido. Un antiguo detective, para que la encuentre. La investigación le lleva hasta las personas más cercanas a Kanako, a través de sus ojos, el padre empieza a conocer a su hija, de la que prácticamente no sabe nada y a descubrir los secretos que se esconden tras su misteriosa desaparición. Lo que parecía una gamberrada por parte de Kanako, se comienza a convertir en un asunto más turbio de lo esperado, donde la propia yakuza está involucrada. A partir de esta premisa, se desenvuelve el nuevo delirio visual de Tetsuya Nakashima.

imagesLas sensaciones después de ver The World of Kanako son  desiguales. Por un lado tenemos la genial interpretación de Koji Yakusho, en el papel del ex detective y padre de Kanako, Akikazu Fujishima. Uno de esos personajes que se quedan grabado en la retina del espectador. Un alcohólico, maltratador y violento ex detective que es el contenedor de algunas de las peores características del ser humano. Un personaje que realmente sientes en tus entrañas. Y que a pesar de todos sus defectos, se excusa en su amor incondicional hacia su familia para justificar todos sus actos en el camino hacia la búsqueda de su hija. Una hija a la que odia y por la que por otro lado haría cualquier cosa. Un personaje con muchísimas aristas y contradicciones, que odias o amas (más lo primero) pero que no te deja indiferente, gracias a la impresionante labor de Koji Yakusho en su interpretación, que centra gran parte de la atención del film y que por momentos se come la pantalla a bocados.

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Entre los secundarios destacar al misterioso y sonriente detective Asai (Satoshi Tsumabuki), cuyas intervenciones desenfadas le dan ese toque de comedia ocasional a la película.

kankoEn el apartado visual, Tetsuya Nakashima sigue fiel al derroche de imágenes y a sus frenéticos montajes. Pero en esta ocasión, el conjunto se hace demasiado excesivo. Muy excesivo. La estructura que Tetsuya sigue, es similar al que ya uso en Memories of Matsuko. A través de los ojos de otros personajes conocemos por flashbacks la vida de la protagonista. El problema es que mientras Memories of Matsuko era una película que fluía y que a pesar de su ritmo, dejaba respirar. En World of Kanko es todo tan rápido, tan frenético y contado de una forma tan apresurada, que resulta agotador. Si estas un poco dormido ese día, estas perdido, Tetsuya Nakashima es fiel a su estilo y no da concesiones, lo que da como resultado una trama muy confusa, y un batiburrillo de personajes y situaciones que no se aguantan por ningún lado y que en ocasiones caen en el absurdo. Personajes como Kanako, de tan bizarros, terminan haciéndose pesados y su destino te acaba siendo indiferente. kawaki-15La trama paralela que ocurre en el pasado y que crea unas buenas expectativas, decae pasado la mitad del film hacia el tedio, igual que el resto de la película, que se hace muy larga. En el apartado técnico, mención especial a la fotografía y a esa particular estética que envuelve todos los productos del director japonés. En esta ocasión Nakashima, incluso se ha atrevido a introducir trozos de anime en su película con un resultado más que interesante.

World of Kanako es en mi opinión, una obra menor dentro de la filmografía de Tetsuya Nakashima. No es una mala película, pero  sus defectos la entierran en la poco deseable tierra de nadie. Solo su carismático y gran personaje principal y la belleza de alguna de sus imágenes, hacen que World of Kanako destaque por alguna razón. Por todo lo demás estamos ante una película muy regular que partiendo de una buena trama y una idea nada desdeñable se hunde por su propio peso, y el conjunto queda empañado, tanto por la falta de pulso de su director como por sus excesos estilísticos, que si bien son su sello de identidad y le han ganado más de un reconocimiento, en esta ocasión no le han funcionado, y la película navega durante más de dos horas entre diferentes extremos, sin llegar a encontrar el equilibrio, ni el rumbo en ningún momento. De todas maneras, recomiendo su visionado, aunque eso sí, no es para todos los paladares. Si estaís preparados para caer desde un jet sin paracaídas esta es vuestra película.

 

 

Sitges día 4: No Tears for the dead

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La fiesta sigue en Sitges. Donde ya he empezado a hacer amistad con los mosquitos y donde el buen cine, por supuesto, no ha parado. Escribo la reseña con los días ya pasados, de una jornada, la del miércoles pasado, bastante intensa. Y  con más buenas noticias bajo el brazo, que decepciones. Durante los días siguientes iré colgando más reseñas e intentaré demorarme lo menos posible.

La primera película que hoy comentaré es No Tears for the dead, del director surcoreano Jeong-Beom Lee, autor del magistral thriller de acción, The Men from Nowhere.

No Tears for the Dead, gira alrededor de un asesino a sueldo Gon(Dong-gun Jang) cuyo último trabajo consiste en recuperar una memoria flash con importante información financiera. Gon ejecuta su trabajo sin problemas, acabando con todos sus objetivos. Una escena inicial llena de acción, que fue merecedora de una ovación por parte del público y una buena manera de mostrar al protagonista, que enseña unas contundentes credenciales de entrada. Pero cuando nuestro despiadado asesino se dispone a abandonar la escena del crimen, un giro en los acontecimientos da como resultado un trágico accidente donde una niña pequeña, resulta asesinada por el propio Gon.

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Mientras Gon ahoga penas en alcohol en su solitario apartamento, los sicarios de su jefe. Dai Ban (Dana Lee), van a buscarle para que este le asigna una última tarea. Acabar con la madre de la niña, Min-hee Kim (Mo-kyeong), que no es otra que la mujer de su última víctima. La fe asesina de Gon se tambalea y su mundo empieza a resquebrajarse ¿Sera capaz  de llevar a cabo esta última tarea? Eso os lo dejo adivinar a vosotros cuando veáis el film. Mientras veamos algunos aspectos destacables de No Tears for the Dead.

fullsizephoto441958Una de las primeras cosas que queda clara de esta película, es que Beom Lee sabe hacer películas de acción, y lo demuestra con escenas de alto voltaje rodadas con pulso y maestría. Muy buenas coreografías que arrancaron más de un aplauso entre el público presente. El montaje, una parte de las películas poco valorado, es realmente muy acertado, ya que le da a No Tears for the Dead ese ritmo tan buscado por el director, y que es ya, una seña de identidad en él. Un montaje tan identificativo y particular, como lo puede ser paralelamente el de la saga de Bourne. Otro punto destacable, es la reducción de secuencias de acción comparado con su anterior film. En esta ocasión Beom Lee se ha querido centrar más en el aspecto dramático. Las dudas de un asesino, Jang-Dong-gun-in-NO-TEARS-FOR-THE-DEAD-e1403114497401que se ve acosado tanto por su presente como por los recuerdos de su tortuoso pasado, y como esos fantasmas toman forma en la encrucijada que ahora vive. Matar o no, a la mujer que es la causa de ese conflicto. La carga dramática de la cinta está bien llevada tanto por el actor que da vida a Gon, como por la mujer que de alguna manera representa esa luz a la que Gon, jamás se ha podido aferrar, y la cual vive su particular descenso a los infiernos tras la pérdida de su hija y su marido a manos del propio Gon.

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Destacar también a los secundarios representados por un grupo de asesinos a sueldo, que escenifican lo que ha sido la vida de Gon. Un vida llena de muerte y tinieblas, donde la camaradería y amistad que existió en en el pasado y que vivió con alguno de sus 718dce9compañeros ahora se verá puesta a prueba. Entre este grupo de secundarios destacan un par de personajes. El desenfadado director Byeon (Kim Hee Won),  guardaespaldas del capo financiero que va en busca de la deseada memoria flash. Y el mejor amigo de Gon, un gran Brian Tee en el papel del asesino a sueldo, Charles.

La película de Jeong-Beom Lee tiene un buen cumulo de virtudes como hemos podido ver, pero el problema es que solo funciona por partes (la acción, el drama) y el guion no acaba de ser un pegamento suficientemente sólido para mantener unidas todas las piezas. El ritmo frenético del director le juega, en el desenlace del film,  una mala pasada y en vez de buscar un poco de pausa y algo explicación para lo que está pasando, busca cambios de escena continuos para no frenar la velocidad que pretende darle a la película. Tampoco hace falta mucha pausa, la trama es sencilla, así que con solo algunos breves momentos aclaratorios sería suficiente, pero estos no existen, y la última media hora, que es donde se muestran todas las cartas, no acaba de funcionar. La parte de la trama financiera, que es el leiv motive de la película, es confusa, lo cual genera dudas al espectador, que más o menos sabe por dónde van los tiros pero que al final acaba perdido, y se conforma con lo que le ofrecen, esperando a que llegue la siguiente escena de acción.

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En definitiva, No Tears for the Dead, es una buena película, con unas excelentes escenas de acción, con un protagonista menos alucinante que en The Man form Nowhere. Más creíble, más humano. Donde el factor dramático está más intensificado, y donde se realzan más las aristas que conforman una personalidad tan compleja como la que puede ser la de un asesino a sueldo. Los fallos de guion y el gran ritmo que el director impone, que por un lado es una de sus grandes virtudes y que nos ofrece instantes brillantes, juega en su contra en momentos en los que era necesario echar el freno, y es este punto, el que evita que la última obra de Jeong-Beom Lee sea una película redonda.

Por último destacar el momento final de la película, el cual no desvelaré, pero que de manera metafórica, remata el significado del film y las consecuencias que acarrea una vida llena de tragedia y muerte como la que lleva nuestro querido asesino a sueldo Gon. Un buen punto y final para una película, que a pesar de algunos defectos, me ha dejado un muy buen sabor de boca.

 

Sitges dia 2: Home

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Home, también conocida como At the devil’s door, es la nueva película de Nicholas McCarthy, director que ya trajo hace dos ediciones en Sitges, la discutida El Pacto. Veamos cómo le ha ido en esta ocasión.

Todo comienza cuando Hannah (Ashley Rickards)  y su novio llegan a un acuerdo, con un extraño hombre que vive en una caravana en el desierto. El trato; que la chica venda su alma al demonio a cambio de 500$. La chica pasa la prueba a la que es sometida y el trato queda sellado. Tan solo un último paso, ir a un cruce de carretera y decir su nombre, para que cuando el demonio venga a por ella, sepa quién es. Este es el inicio de Home. Un inicio demoledor y que crea muchas expectativas.

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¿Las cumple? veámoslo.

La siguiente escena sitúa a la chica en su habitación. En ese momento tras unos instantes de ritmo y tensión bien llevados, la chica es atacada por una fuerza invisible. El diablo ha venido a cobrar su precio. Lo siguiente que vemos es un salto hacia adelante en el futuro. Aquí empiezan las incógnitas, vemos una mujer de mediana edad salir de su casa, presuponemos que es Hannah ya crecida, pero no, se trata de Leigh (Catalina Salvano) una vendedora de pisos. Su último encargo, vender la casa donde vivía Hannah. Una casa de la que sus propietarios tienen mucha prisa en desprenderse. De momento todo bien, ese flashforward un poco confuso, pero sigamos. Leigh va a visitar la casa y se encuentra en ella a una extraña chica envuelta en un chubasquero rojo. En uno de los encuentros de Leigh con la chica del chubasquero, algo sucede. A partir de ese punto de inflexión, entra en escena la hermana de Leigh, Vera (Naya Rivera), que aunque parecía que era una simple secundaria, es la verdadera elegida por el demonio para llevar a cabo su maquiavélico plan.

nicholas-mccarthy-home-naya-riveraEl problema de Home es que busca ser algo más que una buena película de terror y no consigue ni lo uno ni lo otro. Por un lado tenemos un baile de protagonistas principales cuyo rol cuesta ubicar, y en mi opinión, es metraje perdido. Luego, el ritmo es demasiado lento. No caigamos en equívocos, se nota que McCarthy sabe hacer uso de la tensión y crear como he dicho antes una buena atmosfera, pero no consigue el cometido de toda película de terror, asustar. La causa de que la cinta pierda nivel, es que en cierto momento se produce una desconexión del espectador con la trama. El ritmo lento y las lagunas de guion tienen sus consecuencias, y al espectador le empieza a dar un poco igual lo que está pasando, y cuando eso sucede, por muy bien utilices el suspense, estas perdido.
Los fenómenos sobrenaturales que se ciernen sobre los protagonistas, a partir de cierto instante, son demasiado evidentes, todos vemos lo que va a pasar y el director no intenta hacer nada para que no suceda.

atdd3El resto de la película son una serie de escenas, mal encadenadas una tras otra, unidas por sus respectivos flashbacks y flashforwards, pero mientras esto a veces acostumbra a funcionar, aquí el resultado es algo caótico y da como resultado una desconexión constante. En cierto momento el eje de la trama desaparece por arte de magia, puesto que las expectativas iniciales: La caravana, el trato con el diablo, el hombre que lo lleva a cabo, el misterioso novio de Hannah. Elementos y personajes que tenían filón, se dejan de lado. El director prefiere arriesgar y apuntar más alto, yendo hacia donde fracasan muchas películas. Las historias sobre el anticristo y su llegada. Nicholas McCarthy naufraga en la orilla. La idea es buena, pero la ejecución no está a la altura. Y el final te deja tan plano como la mayor parte de la película.

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Siendo lo más objetivo posible, diré que Home no es una mala película de terror, pero tampoco se puede decir de ella muchas cosas buenas, a parte de una atmosfera bien lograda y ciertos momentos de suspense, poco más. Home por otro lado, es un ejemplo de expectativas mal manejadas, lo que la convierte en una película del montón en un envoltorio más bonito de lo habitual. Lo más decepcionante de Home es que tenía pilares para aspirar a ser un destacable producto dentro del género, pero a Nicholas McCarthy le han quedado grandes los pantalones y le ha vuelto a salir el tiro por la culata. Esperemos que a la tercera vaya la vencida.

¡Hasta la vista! mañana más.

Sitges dia 2: The Midnight After

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“Un minibús nocturno con 17 personas a bordo cruza el túnel Lion Rock camino de Tai Po desde Kowloon. Al pasar el túnel descubren que el mundo ha cambiado y toda la gente ha desaparecido. En ese marco, ellos tienen que repensar sus identidades, sus relaciones y su futuro mientras son perseguidos por un extraño virus y un hombre enmascarado. ¿Podrán sobrevivir?”

Esta es la sinopsis de The Midnight After, la nueva película de Fruit Chan. ¿Parece Interesante no? Pues ahora os voy a explicar cómo se puede convertir una película que apunta maneras en un despropósito sin sentido.

De hecho, para ser justos, los momentos iniciales de la película son prometedores y crean buenas expectativas.  En mi opinión, diecisiete personas encerradas en un minibús, es un punto de partida que da juego para momentos de tensión y conflicto, mientras poco a poco, se van desmenuzando las incógnitas de la trama. Esas al menos, eran mis reflexiones desde la butaca. Iluso de mí.

str2_gx_6col_relaxmidnight_LEADA medida que van transcurriendo los minutos comienzas a ver cosas extrañas. Por un lado los actores se comportan de una manera demasiado histriónica. Me pareció raro porque no se adecuaba al tono de thriller que tenía en mente, pero no pasa nada, la tarea de un director es sorprender, y dices, bueno, ahora vendrá algo interesante. Entonces ves cómo se van abriendo cada vez más interrogantes, y tú esperas mientras siguen pasando los minutos (cada vez más lentos) alguna pista, pero nada.

A medida que avanza el metraje algunos de los diecisiete supervivientes, mueren de formas, a cada cual más extraña: Muertes por combustión espontánea, convertidos en polvo, paradas cardiacas. Pero no hay nada que explique cuál es el detonante de cada muerte. Puede que sea un virus, pero ¿Porque actúa diferente en cada persona? no hay explicación. En en el caso de que sea una cínica crítica a la sociedad u cualquier otra cosa,  tampoco tiene mucho sentido, porque no hay ninguna explicación coherente para cada muerte. A todo eso hay que sumarle las llamadas extrañas que reciben los protagonistas. Donde, cada vez que suena el teléfono, un chirrido agudo es lo que obtienen como respuesta. Spoiler El ruido está cifrado en código morse. De momento no es mala idea, le añade cierta tensión a la trama, pero, lo descifran, y ¿Cuál es el mensaje?  Una canción de Bob Dylan, y e aquí, uno de los momentos más delirantes de la cinta. El momento karaoke, con todos los protagonistas interpretando la susodicha canción, una especie de videoclip dentro de la película que te deja perplejo. Otro de los momentos sin sentido del film, es cuando uno de los protagonistas recibe la llamada de su novia, y esta le dice que lleva nada más y nada menos que seis años desaparecido ¿En serio? ¿Ahora paradojas temporales? a estas alturas no podía hacer otra cosa que reír Fin de spoiler. La comedia disparatada y surrealista se apodera de la trama, mezclada con los pedazos triturados que quedaban de ese thriller inicial. Llega entonces ese momento, donde  el espectador, se retuerce en la silla y se pregunta ¿Esto qué **** es?

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Lo que prometía ser un guion decente acaba convirtiéndose en un puzle sin pies ni cabezas. Vale, no hay que dar todas las respuestas, pero leche, es que no se explica nada. No sabemos porque de repente la gente ha desparecido, o si al contrario son ellos los que han desaparecido, no sabemos que es lo que pintan los tíos con la máscara de gas. No sabemos si es un virus, si es por la radiación de Fukushima, si es una metáfora de la muerte, de la pérdida de valores, si es una parodia del final de Perdidos. No sabemos nada.

the_midnight_after_4El director dispara hacia tantos lados, la película se mueve entre tal sinfín de posibilidades distintas, que lo único que consigue es engañar y confundir al espectador, que espera, ya no todas las respuestas, porque en cierto momento de la película pierdes toda esperanza de que haya algo de coherencia, pero como mínimo alguna pista sobre lo que ha pasado. Pero es que para nada, no finaliza ninguna de las tramas que se abren. Solo la frase del final de la película deja intuir lo que Fruit Chan ha querido explicar, pero que en realidad, seguramente, no lo sepa ni él.

Lo más curioso es que funciona mejor como comedia loca (sin ser buena tampoco) que como thriller, pero navega a un ritmo tan demencial entre esas dos aguas, que en ninguno de las dos casos le sale bien. El resultado hubiera sido distinto si la película estuviera orientada hacia una dirección concreta, pero Fruit Chan decidió que no, y que era mejor tomarnos el pelo. Por otro lado, es una pena lo desaprovechados que están dos auténticos iconos como Simon Yam y Lam Suet, que  parecen meras sombras de sí mismos y naufragan con estrepito junto con el resto del coro actoral, pero les eximo de culpa, porque ante tal guion poco se puede hacer.

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¿Algo positivo tiene la película? Pues sí, la fotografía es muy buena, esos paisajes de un Hong Kong desolado y desierto, donde los tonos oscuros se mezclan con los neones de colores vivos propios de la noche de Hong Kong, todo un acierto.

En fin, poco más puedo decir, The Midnight After, me ha superado. No la recomiendo. Solo si te la tomas como la  broma que es, te puede llegar a gustar.

 

 

 

 

Sitges Dia1: The Babadook

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Ya esta en marcha la fiesta del cine fantástico y de terror en Sitges y desde La Noche de Maine ahí hemos estado y por supuesto, estaremos. De momento el viernes pasado, primer día del festival, ya cayó una buena noticia. A primera hora, cuando ni la alfombra roja estaba extendida, The Babadook, entró en escena.

The Babadook es una cinta dirigida por Jennifer Kent y supone el primer largometraje de la directora australiana. Los debuts siempre son tarea complicada, pero a Jennifer Kent no le ha salido nada mal, ya que se ha ganado el respeto de crítica y público, con un sobresaliente relato de terror, que se mueve acertadamente entre lo sobrenatural y lo psicológico.

La trama gira alrededor de Amelia (Essie Davis) , una madre rota por la muerte de su marido, y un hijo con serios problemas de comportamiento. El relato de la familia maltrecha tiene su detonante en la muerte del padre/marido en un accidente de coche, justo el día que iban al hospital para tener a Samuel (Noah Wiseman), el niño en cuestión. Las historias sobre la pérdida y sus consecuencias es algo que no es nuevo en el cine, aunque en este caso el envoltorio está muy bien buscado.

Amelia acarrea con el dolor de aquel fatídico día, y en su mente destrozada, culpa de la muerte de su marido a su hijo Samuel. Una relación de amor odio, que se puede apreciar en las primeras escenas, con la madre huyendo del abrazo de su hijo en la cama, y donde ella lucha para que el amor hacia su hijo prevalezca contra el resentimiento, que poco a poco va creciendo en su interior.

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Una noche, como cada noche, Amelia se dispone a leerle un cuento a Samuel, pero el niño ha encontrado un nuevo libro, se llama The Babadook y de cuento para niños no tiene nada. Hago un inciso, porque me ha gustado la naturalidad con la que sucede este momento, el instante, en el que el niño le entrega el cuento, en ningún momento se ve como lo encuentra, no hay ninguna explicación previa y todo sucede con mucha normalidad. Dicho esto, cuando la madre abre el cuento y se dispone a leerlo, descubre entre sus páginas una lúgubre narración sobre un extraño ser ataviado con un sombrero de copa, uñas como cuchillas y un traje negro roído, un personaje siniestro del que según dice el libro, una vez mencionado jamás podrás librarte. El monstruo hace presencia con la palabra Baba- Dook- Dook- Dook, una palabra que os pondrá la piel de gallina en más de una ocasión y que promete convertirse en viral, igual que otras frases y palabras del género que han quedado en el recuerdo de todos ¿Os acordáis de Candyman, Candyman, Candyman? bueno, seguro que unos cuantos si.
Más allá de apuntes nostálgicos, este Babadook,por cierto, comparte muchas similitudes con el Slender Man, y quizás igual que pasó con ese fenómeno de internet, acabe teniendo vida propia y su propia mitología más allá de la película, tiene números.

babadook-618x400-10-horror-films-to-look-for-in-2014A partir de aquí, es donde empiezan las diferentes lecturas. La película se puede mirar como un cuento de terror sobrenatural, donde la fuerza maligna, que acecha en la casa es el culpable de todo los males de la familia, o más bien, yo me decanto por esta opción, como una metáfora del dolor y la perdida, de los traumas y las cicatrices imposibles de sanar. Es quizás esa doble lectura, esa ambigüedad con la que juega, y la posibilidad de ser vista de varias maneras, lo que convierta esta cinta, en una película de terror que sobresale de la media. El monstruo como reflejo de nuestros miedos, la posibilidad de convertirnos en ese monstruo y sus consecuencias son los ejes sobre los que gira Babadook. Seguramente es al final de la película donde esta metáfora alcanza su máxima expresión, y donde se ve reflejado que hay heridas que jamás sanan, rincones ocultos de nuestra alma que solo podemos intentar domar.
En toda buena cinta de terror vemos estas correlaciones, pero en la mayoría de estas películas lo sobrenatural es muy explícito, sabemos que lo que estamos viendo es algo que se escapa a nuestro entendimiento, pero en The Babadook los fenómenos extraños solo son presenciados por la madre y su hijo. En esta ocasión no existe la ayuda externa (el cura, la médium, el parapsicólogo) o el testigo que corrobore los hechos. Y podemos perfectamente llegar a la conclusión que la febril imaginación del niño y la mente rota de la madre son los que crean todo este terrorífico puzle. Creo que está bien buscado por parte de la directora no tirar de ese cliché y buscar en la imaginación del espectador la resolución a las dudas que genera la película.

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Por supuesto, The Babadook tiene otras virtudes, entre ellas la atmósfera opresora que domina toda la cinta, acompañado de una fotografía fría que refleja los sentimientos y los recelos que se vive entre los diferentes miembros de la familia. Una narración donde si bien en la primera hora vemos algunos secundarios y la relación con los protagonistas; la hermana de Amelia y su hija, los compañeros de trabajo de Amelia, Mrs. Roach, la amable y anciana vecina. Los últimos cuarenta minutos son un tour de forcé interpretativo entre madre e hijo. Unas actuaciones estelares, de una enorme Essie Davis, en el papel de madre trastornada y un sorprendente y jovencísimo Noah Wisemen en el papel del problemático Samuel. También destacar la correcta elección de la música y los golpes sonoros, aunque en este punto, un detalle, más quizás culpa de la propia sala de cine que de la película. Por momentos volumen demasiado alto, como por desgracia, en muchas películas de terror. No hace falta dejar sordo al espectador.

Los efectos visuales son buenos y pocos sin, en ningún momento, quitar protagonismo a los actores ni la trama. El diseño del monstruo está muy bien logrado, aunque como ya he dicho antes, tiene muchas similitudes con el Slender Man. El uso de la luz, y sobre todo la ausencia de luz, es otra de las bazas fuertes de la película, donde se hace un uso de la oscuridad que refurerça esa metáfora acerca de ese mal, que de alguna manera, puede crecer en cada uno de nosotros, y que dadas las circunstancias puede acabar devorándonos.

maxresdefaultComo puntos negativos. Es una película a la que le cuesta arrancar. Sin duda, es gratificante su búsqueda de la pausa, la poca prisa que tiene en asustar y en mostrar al monstruo. En The Babadook, lo esencial  son los personajes, sus vidas y su particular descenso a los infiernos, pero creo que a la directora se la ha ido la mano con el freno, y por momentos se hace algo tedioso (he de reconocer que miré el reloj más de una vez) justo lo contrario que me pasó, con la última parte de la película, que es un auténtico ejemplo del manejo de la tensión y el ritmo. Con esos cuarenta últimos minutos que te dejan clavado en la butaca y te ponen los pelos de punta.

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En definitiva, me ha gustado por como juega con la mirada del espectador sin caer en el timo, por la excelente interpretación de sus actores, y por la atmosfera tan palpable y densa que crea Jennifer Kent. El punto negativo, es, tengo que decirlo, su primera hora. Sé que es raro decir tantas cosas buenas de una película y luego decir que la primera hora aburre. Pero es así, y aunque al verla completa las sensaciones cambian, tiene un inicio duro.

Dicho lo dicho, os la recomiendo. Una buena película de terror que aunque explica lo de siempre, lo hace con una mirada diferente, y eso, siempre es de agradecer. Tiene papeletas para llevarse algún premio en Sitges, palabra.

¡Hasta la próxima! Estaremos en contacto. SItges continúa

Un fenómeno llamado True Detective

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Es la serie de moda, todo el mundo habla de ella, ¿Pero es realmente tan buena o solo se trata del pelotazo del momento? Bueno, en este caso en concreto, y desde mi particular punto de vista, puedo decir que las opiniones no son nada exageradas. True Detective, es una de esas series que juega en otra liga, igual ‘The Wire’, ‘Los Soprano’ o ‘Breaking Bad’. Aunque tampoco la incluiría dentro de esta santísima trinidad, ya que para eso tendríamos que ver el puzle completo.

Cada temporada de True Detective es y será corta, ocho capítulos, un poco al estilo británico, y en cada nueva temporada tendremos una pareja de detectives diferentes con casos diferentes. Es una manera singular de enfocar historias en la pequeña pantalla. Más arriesgada, más miniserie que serie  sin ser lo uno ni lo otro, y con tramas autoconclusivas, lo cual me parece una decisión acertada. De esta manera las historias no se dilatan tanto en el tiempo y no sufren los acostumbrados altibajos que nos ofrecen series más largas. Lo mismo pasa con los personajes, al estar planteado de esta manera y tener que estar todo resuelto en ocho capítulos, los protagonistas están mucho más trabajados desde el inicio y se puede poner toda la carne en el asador desde el primer capítulo.

De momento solo tenemos una temporada de True Detective, y veremos cómo funcionan las demás. Lo único que puedo decir de esta, es que es absolutamente absorbente.

No es que sea una historia muy original, esto de dos detectives buscando un asesino en serie es algo que ya se ha contado antes, lo hemos visto mil veces, pero es el cómo está contado. La forma, la pausa. Esa marca HBO que destila cada poro de sus fotogramas, empezando por una intro muy artística acompañada de la canción Far from any road de The Handsome Family, tan poética como desgarradora y reveladora del mundo que se va a abrir ante nosotros.

Luego está el elemento narrativo que funciona perfectamente y le da una voz muy propia a True Detective. La trama avanza entre una continua sucesión de flashbacks que se intercalan con las entrevistas que les hacen dos policías a la pareja de detectives en el presente. La serie juega bien con las diferentes líneas temporales sin caer en la confusión, desgranando la historia con un ritmo muy marcado que consigue enganchar pronto al espectador. No hay desniveles entre el desarrollo del caso en el pasado y lo que sucede en las entrevistas, todo fluye como una máquina bien engrasada.

El elenco de la primera temporada de True Detective está formado por Rust Cohle (Mathew McConaghuey) y Martin Hart (Woody Harrelson). El primero pasará ya a la historia, como uno de los detectives más carismáticos de los últimos tiempos y me atrevería a situarlo en un nivel de impacto similar al que en su momento tuvo House. true-detectiveAl igual que este y otros personajes, Rust comparte esa visión nihilista de la vida, una mirada sin velos, libre de asperezas, observando todo lo que le rodea, con una objetividad cruda. Pero Rust Cohle no es una mente puramente racional. Es un ser humano roto, con un carácter fuertemente marcado por su pasado como agente encubierto en narcóticos, época en que se metió hasta el polvillo de los ladrillos. Claro está, con todas sus consecuencias. Sus reflexiones están llenas de matices filosóficos, desvaríos de rabiosa racionalidad que radiografían a las personas a su alrededor a un nivel de detalle casi molecular,  una forma de ver la vida tan desprovista de adornos como la naturaleza o el cosmos que él mismo evoca. Una visión que en ocasiones hasta se atraganta por ser tan áspera y dura, igual que la superficie desgastada de una roca que ha sido erosionada durante millones de años y que el tiempo ha pulido hasta darle la forma perfecta que la naturaleza le tenía destinada. Eso y muchas drogas. Esa es la mente de Rust Cohle.

En contraposición tenemos al personaje de Martin Hart (Woody Harrelson) un tipo práctico. La viva imagen del americano medio, la efigie del buen hombre de familia y buen policía, y que, como tantos otros, esconde lo que se esconde tras este tipo de estampas; un hombre lleno de contradicciones y cuya vida es una continua mentira. Y aunque es un personaje que de principio crea rechazo por sus ideas o mejor dicho, por su falta de ideas. Con el paso de los capítulos el personaje va cobrando cada vez más fuerza y la evolución que sufre, me ha parecido uno de los aspectos más destacables de la serie.

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El bueno de Rust flipándolo un poco

La dualidad entre la sinceridad desagradable de Rust y la rigidez obtusa de un tipo como Martin da mucho juego. Sus conversaciones y la evolución de su relación es sin duda el sello diferenciador de True Detective. Más importante que la propia historia, como ya pasa en muchas de las cosas que hace HBO, son los detalles, las anécdotas que se suceden en el camino las que toman relevancia. Como esas conversaciones en el coche, sobre la realidad, lo trascendental y lo eterno que dejan más huella en la retina que la propia investigación policial, que por la parte que le toca está muy bien llevada y cae en pocos artificios…solo al final, hay ciertos momentos que no me acaban de convencer, pero de esto no quiero hablar ni spoilear mucho.

Todos estos ingredientes y también la excelente fotografía de Adam Arkapaw, una fotografía de atmosferas cargadas, de parajes impregnados de capas de ácido y que refleja muy bien el alma de esos pantanales aislados y desolados de Luisiana y el alma de los propios personajes, conforman la que sin duda, a no ser que alguien se saque una genialidad de la chistera, es la serie del año.

Soy Alan Moore y he sido mago del caos chaval

Mención aparte, merecen las influencias y referencias literarias de True Detective.No son pocas, y van desde Alan Moore hasta H.P. Lovecfrat. Del primero. Si teníamos dudas de que el genial guionista de cómics y ex mago de la caos ha influido a todo dios, lo volvemos a corroborar, ya que Nick Pizzolato, el creador de la serie, tampoco parece haberse librado de sus garras, al menos esa impresión da tras leer su cómic The Courtyard, un cómic de corte Lovercraftiano, con dioses primigenios de por medio, en el que vemos ciertas similitudes entre Aldo Sax, el protagonista de la historía y Rust Cohle, nuestro detective favorito. Y otra pista importante es que el villano del cómic es un tipo llamado Johny Carcosa ¿Os suena de algo?, Carcosa es una palabra que no para de resonar en cada capítulo de True Detective, un concepto, una idea ¿Pero que es en realidad? Bueno, Carcosa es un ciudad ubicada dentro de la mitología de horror sobrenatural más clásico, la primera vez que se nombra es un relato de 1888 del escritor Ambrose Bierce, Un habitante de Carcosa, en la que un viajero aparentemente extraviado se encuentra ante las ruinas de una antigua y misteriosa ciudad, esta ciudad también seria nombrada más adelante por Robert. W. Chambers en su colección  de relatos El rey en amarillo ¿Lo del Rey Amarillo también os dice algo no?  A su vez estos escritores influenciaron a un autor que también tiene relación con la serie, H.P. Lovecraft, ya que tras la atmósfera malsana y la palabrería, en ocasiones incompresible de Rust, hay influencias directas de los personajes y decorados opresivos de la obra de Lovecraft y también de otros escritores como Arthur Machen o Edgar Allan Poe. Por cierto y como curiosidad, también hay una ciudad de Carcosa en la saga literaria Canción de Hielo y fuego de George. R.R. Martin

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Thomas Ligotti, terror ancestral y filosofía. Todo en uno

Pero la cosa no acaba aquí, también hay referencias más actuales confesadas por el propio creador de la serie Nick Pizzolato, quien dijo que la obra de terror, tratado filosófico, desvarío mental, La conspiración contra la raza humana del escritor de terror Thomas Ligotti, había sido una inspiración directa en la elaboración de los monólogos de Rust Cohle. Por cierto, que Thomas Ligotti es un escritor que bebe directamente de las fuentes del horror sobrenatural de Lovecraft, Machen y compañía. Otra conexión más.

Os recomiendo encarecidamente leer sus dos colecciones de relatos, Noctuario y La fabrica de pesadillas, ya que tiene ese toque de surrealismo, de inclasificable, de sin sentido, o como queráis llamarlo, incluso se le ha puesto la etiqueta de terror filosófico, sea lo que sea lo que signifique eso. Como a mí no me gustan esto de las etiquetas, yo solo diré que se trata de un escritor diferente, no muy accesible para el lector de terror más clásico o comercial, pero al que hay que darle una oportunidad, os aseguro que Thomas Ligotti solo hay uno. Leerlo y lo entenderéis.

Bueno, hasta aquí llega mi análisis/opinión, y ¿Hace falta decir que os la recomiendo?… supongo que no.

Feliz serie y disfrutad amigos.

Oscars 2014

The 85th Academy Awards® will air live on Oscar® Sunday, February 24, 2013.

Gravity
y 12 años de esclavitud han sido las grandes triunfadoras en la gala de los Oscars que se ha celebrado esta noche/madrugada en el Dolby Theater de los Angeles. Dalllas Buyers Club, ha sido la tercera en discordia, igualando en estatuillas a la película de Steve McQueen y llevándose el gato al agua en el reñido apartado de actores.

Las que han salido peor paradas, aunque se veia venir, han sido La gran estafa americana y El Lobo de Wall Street que se han ido de vacío.

La gala estuvo presentada por la comediante Ellen Degeneres, bien llevada por cierto, con momentos realmente surrealistas como el reparto de pizza (que Harrison Ford se tomó bastante en serio), o el ya famoso selfie, que ha batido records en twitter.

En cuanto al desarrollo y entrega de premios, todo ha seguido con el guion que era previsible. Mi favorita, que era Gravity, ha cumplido con creces, aunque finalmente 12 años de esclavitud se ha llevado el Oscar a mejor película.

La única sorpresa entre comillas, es que Di Caprio, no se ha llevado el Oscar a mejor actor y tendrá que esperar otro año para finalmente poder llevarse la estatuilla a casa. Eso sí, en esta ocasión tenía un rival muy duro, Matthew McConaughey, que con True Detective y Dallas Buyers Club, ha dado un vuelco a su carrera y se ha confirmado como unos de los actores más sólidos del panorama cinematográfico actual. También me sorprendió el Oscar conseguido por Lupita Nyong’o, no solo por el hecho de que casi no sale en la película, sino también porque tanto Jennifer Lawrence como June Squibb tienen un rol mucho más presencial en sus films y sus actuaciones son mucho más sólidas, pero claro, esto es Hollywood, la meca del postureo y cuando una actriz hace hype, hay que darle el Oscar sí o sí.

Desde mi twitter personal seguí la gala al minuto (ya al final con mucho sueño), y pero espero poder seguir haciéndolo otros años, porque la experiencia lo ha valido.

Sin más. Os dejó la lista con todos los premiados.

 

MEJOR PELÍCULA

12 años de esclavitud

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MEJOR DIRECTOR

Gravity- Alfonso Cuarón

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MEJOR ACTOR

Dallas Buyers Club – Matthew McConaughey

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MEJOR ACTRIZ

Blue Jasmine- Cate Blanchett

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MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Her- Spike Jonze

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MEJOR GUIÓN ADAPTADO

12 años de esclavitud – John Ridley

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MEJOR ACTOR SECUNDARIO

Jared Letto

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MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

12 años de esclavitud – Lupita Nyong’o

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MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA

La gran belleza

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MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Frozen

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MEJOR DOCUMENTAL

A 20 pasos de la fama

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MEJORES EFECTOS ESPECIALES

Gravity – Tim Webber, Chris Lawrence, David Shirk and Neil Corbould

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MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

El gran Gatsby – Catherine Martin, Beverley Dunn.

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MEJOR MONTAJE

Gravity – Alfonso Cuarón and Mark Sanger

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MEJOR FOTOGRAFIA

Gravity – Emmanuel Lubezki

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MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

El Gran Gatsby – Catherine Martin

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MEJOR MAQUILLAJE

Dallas Buyers Club – Adruitha Lee and Robin Mathews

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MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Gravity – Steven Price

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MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

Frozen – Lyric by Kristen Anderson-Lopez and Robert Lopez por Let it go

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MEJOR MEZCLA DE SONIDO

Gravity – Skip Lievsay, Niv Adiri, Christopher Benstead and Chris Munro

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MEJOR EDICIÓN DE SONIDO

Gravity – Glenn Freemantle

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MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

Helium

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MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

Mr.Hublot

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MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

The lady in number 6: Music saved my life

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